시대를 초월한 팝아트의 제왕, 현대미술계의 철학과 패러다임을 바꾼 아티스트 앤디 워홀

<앤디 워홀의 위대한 세계>는 총10개의 섹션 별로 구성되어 워홀의 다양한 작품 세계와 그와 관련된 다양한 기록물을 보여준다. 미국 앤디 워홀 뮤지엄의 소장작품 중 미술사적으로 의미 있는 작품과 아직까지 한국에 소개되지 않은 작품들로 구성된다. 워홀의 초기 광고 디자이너 시기의 작품부터 60년대 <캠벨 수프 깡통>, <브릴로 상자> 등 그의 대표 작품은 물론이고, <자화상 시리즈>, <그림자 시리즈> 등 그의 예술세계 전모를 보여 줄 수 있는 작품으로 구성된다.

[<앤디 워홀, 현대미술의 패러다임을 바꾸다> 섹션
Andy Warhol, Changes the Paradigm of Contemporary Art]

앤디 워홀의 전 생애에 걸친 대표 작품들을 소개하는 섹션으로 <캠벨 수프 깡통>, <꽃>, <달러 사인>, <마릴린 먼로> 등의 작품들이 선보인다.

[<나의 자화상, 영원한 아름다움과 일시적 아름다움 > 섹션
My self-portrait, Eternal and Temporary Beauty]

스타가 되기를 열망했던 앤디 워홀은역설적으로 <자화상>시리즈를 통해 자신을 은폐한다. 여러 매체와의 인터뷰에서 의도적으로 질문과는 다른 답을 하던 엉뚱한 앤디 워홀은 마치 할리우드 배우와 같이 자신을 드러내는 걸 즐기지만, 반면 자화상을 그릴 때에는 가발이나 선글라스로 자신을 숨기려 했다. 사실적인 모습이지만 세부 모습을 생략해 개성을 제거함으로써 인물의 표면만 작품에 남게 된다.

[<성공한 디자이너에서 팝아트의 제왕으로> 섹션
From a successful Designer to the King of Pop Art]

일상적 소재를 예술로 받아들여 <브릴로 상자>, <캠벨 수프 깡통 상자>를 비롯 초기 드로잉 작품을 소개한다. 1950년대의 정신 세계를 다루는 추상표현주의의 심각함에 반해 나온 앤디 워홀의 예술은 일상적인 이미지들을 차용하여 예술과 일상의 경계를 허물고, 그 무엇도 예술이 될 수 있는 역사적인 새 예술사조를 창조했다. 대중문화의 이미지를 차용해서 작품의 생산방식도 실크스크린이라는 판화기법을 이용해 같은 이미지가 반복되는 작품으로 기계복제시대를 표방하는 대표작품들을 만들어냈다. 팩토리(공장)로 불리어지는 그의 작업실에서 이러한 작품들을 조수들을 이용해 대량생산했다

[<타임 캡슐, 워홀의 시대를 비추는 거울> 섹션
Time Capsule, Mirror that reflects the Era of Warhol]

수집광으로 잘 알려진 앤디 워홀의 방대한 소장품들을 모아둔 타임캡슐이 소개 된다. 워홀의 작품활동 당시를 생생하게 보여주는 사진 및 기록물을 비롯 워홀 자신이 틈틈이 수집한 각종 문서, 책, 설치작품 들이 전시될 것이다.이번 섹션에서 특별한 의미를 가진 한 가지는 워홀 자신이 어린 시절 갖고 싶고 읽고 싶어 했던 동화책들이 수십 권 전시가 된다.가난한 가정형편 때문에 책을 가질 수 없었던 자신의 유년기를 회상하며 하나하나 수집했던 워홀의 손때가 묻은 책들이다.어린이 관객들에게 재미있는 이야기가 될 듯하다.

[<슈퍼스타 아이콘, 나는 헐리우드를 사랑한다> 섹션
Super Star Icon, I love Hollywood]

예술의 상업성을 옹호하고, 미술과 자본주의 사회의 관계를 재설정한 앤디 워홀의 면모를 볼 수 있는 인물화 작품들이 소개된다. 워홀은 그의 시대의 모든 유명인사들과 알아둘 가치가 있는 모든 이들을 만났다. 그 형식이 회화이든 판화이든 실크스크린이든, 또는 단순히 사진을 찍는 것이든, 그가 초상화로 만들어낸 인물들은 놀라울 정도로 많다.

이번 섹션에서는 마이클 잭슨, 비틀즈, 존 웨인, 메릴 스트립, 클린트 이스트우드,... 잉그리드 버그만, 실베스터 스탤론, 믹 재거 등의 초상화가 소개된다.

명성과 돈, 화려함, 죽음에 매료된 그는 그것들에 대한 집착을 넘어 대중 문화가 제조한 우상을 작품을 통해 신화적 오브제로 탈바꿈시킨다. 이들의 이름에서 친근감을 느낀다면, 그것은 그들이 워홀 시대뿐만 아니라 우리시대의 표상과 같은 인물들이었기 때문이다.

[<죽음과 재난, 냉정한 관찰자의 눈> 섹션
Death and Disaster, an Eye of unemotional Observer]

죽음과 재난을 소재로 한 연작으로 주목을 받았던 앤디 워홀은 그의 동료였던 헨리 겔달러의 추천으로 이 시리즈를 제작한다. <죽음과 재난>에서는 <앰뷸런스 사고>, <전기 의자>, <두개골>, <재키> 등의 대표작을 소개한다. 재난과 사고 기사가 모티브로 반복 배치된 이미지는 보는 사람이 끔찍한 장면을 떠올리는 것보다 매스 미디어를 통해 무한 재생산되어 일상적으로 되어버리는 현실을 깨닫게 해준다. 실크스크린 판화기법으로 반복적으로 찍힌 죽음과 재난의 이미지들은 은연중에 관람자가 죽음도 반복될 수 있다는 생각을 하도록 유도한다. 또한 복제의 방법으로 사용된 실크스크린 판화기법이 작가의 손이라는 '도구'를 거치기 때문에 이미지가 반복되더라도 완벽히 동일하게 표현되지 않으므로 관객은 무의식적으로 인간이 공통적으로 겪는 죽음도 동일하지 않다는 암시를 받게 된다. 반복성이 가지고 있는 다양한 매력과 죽음을 동반한 우리 삶을 보여주는 인간적인 워홀을 보여줄 수 있도록 구성된다.

[<빛과 그림자, 또 다른 실험> 섹션
Light and Shadow, and other Experiments]

<회상(시대정신 연작)>, <그림자> 시리즈, <산화>, <위장> 패턴 시리즈 등 국내에 소개되지 않았던 추상화적 경향의 작품들을 선보인다. 아이러니하게도 워홀은 말년에 “추상미술이야말로 가장 위대한 예술 양식이다”라고 진술하기도 하면서, 추상화적 경향의 작품들을 다수 남겼다.
나치 시대에 “대성당의 빛”이라고 알려진 스펙터클 한 빛의 이미지로부터 모티프를 차용한
가로길이가 무려 10m가 넘는 <회상(시대 정신 연작)>에서는 스펙터클 한 빛과 그림자의
대조효과가 만들어낸 추상이미지를 볼 수 있다.
또한 구리 성분의 물감을 도포한 캔버스에 방뇨한 후, 시간이 흐르면서 표면의 철 성분이
산화되어 아름다운 추상이 된 <산화Oxidation> 페인팅을 볼 수 있다.
앤디 워홀이 심리적 은유의 표현으로 위장 패턴을 사진에 겹쳐서 표현했던, 패턴 시리즈에서는
스타를 동경했던 워홀 자신이 예술적 대상이 되어 드러나는 반면에 무늬와 색채가 자화상
이미지와 겹쳐 자신을 숨기고자 했던 흥미로운 면모를 살펴 볼 수 있다.

[<워홀의 최후의 만찬> 섹션
The Last Supper by Warhol]

레오나르도 다빈치가 1498년 제작한 <최후의 만찬>을 재해석한 이 시리즈는 캔버스나 종이 위에 다양하게 표현된 워홀의 마지막 연작이다.
1986년 미술품 딜러인 알렉산더 이오라스가 의뢰한 작품으로 <최후의 만찬> 시리즈의 일부이다. 워홀은
뉴저지의 한 주유소에서 구매한 최후의 만찬 플라스틱 축소판 조각과 드로잉 그리고 그의 스튜디오 근처의
한국인 종교용품점에서 구매한 사진 복제물, 이렇게 세 개의 자료를 가지고 작업하였다. 그는 불가시광선으로
비춰질 때만 보이는 도료를 사용하여 그리스도의 이미지를 손으로 칠했다. 불가시광선은 보통 사람의 눈으로는 보이지 않는 자외선 발광으로 특정 물질을 드러나게 하고 마치 형광으로 보이는 효과를 낸다.

[<워홀의 친구들, 팝아트는 모든 사람들을 좋아한다>
Warhol's Friends, Pop Art likes Everybody]

워홀의 예술에 중요한 역할을 한 <줄리아 워홀라>, 워홀이 실제로 작업들을 열성적으로 수집한 <만 레이>, 경쟁관계에도 불구하고 존경했던 <로이 리히텐슈타인>, 서로 다른 세대, 다른 인종이었으며 매우 다른 성품을 지녔지만 많은 공동작업을 한 <장 미셸 바스키아>를 비롯 에셀 스컬, 마오, 넬슨 록펠러, 베토벤 등 워홀이 평소 애정을 가졌던 인물들의 초상화가 소개된다.

[<워홀 라이브, 삶이 곧 예술이다>
Warhol Live, Life is Art]

이번 전시회에서는 <Warhol Live>라는 특별한 공간이 마련된다.8m x 8m 사이즈의 독립된 공간에 워홀 자신이 찍은 영화 장면, 자신이 프로듀서로 작업한 록 밴드 ‘벨벳 언더그라운드’의 연습과 연주 장면, 자신이 디자인 한 이미지 컷들이 프로젝트를 통해 복합적으로 상영된다. 프로젝트의 배치나 조명, 음악 등은 물론 워홀의 의도대로 구성된다. 이 <Warhol Live>는 그 자체만으로 몬트리올, 샌프란시스코 등지에서 전시회를 열 정도로 의미 있는 작업이었다.미디어 아티스트로서의 워홀의 면모를 살펴볼 수 있는 흔치 않은 기회가 될 것이다.

[앤디 워홀 소개]

살아있는 동안 돈과 명성 모두를 움켜진 예술가는 드물다. 파블로 피카소, 살바도르 달리, 잭슨 폴록 등 소수에 불과하다. 이 중에서 빼놓을 수 없는 작가가 바로 앤디 워홀이다. 상업 디자이너로 출발하여 60년대 팝아트로 미술계 정상에 올라 미술, 영화, 저널 등에서 막강한 영향력을 행사하며 누구보다도 많은 부와 명성을 쌓았다. 그는 87년 담낭 수술 후 심장마비로 사망할 때까지 미국 문화의 살아있는 전설이자 한 시대의 아이콘이었다. 워홀에 대한 평가는 극과 극으로 갈린다. 한쪽에서는 미술의 전통적인 가치에 대한 부정과 도전으로 미술의 새로운 시대를 개척한 위대한 예술가라고 평가하고 있고, 다른 한쪽에서는 시대의 취향에 민감하게 반응 했던 성공한 상업 디자이너에 불과하다는 평가를 하고 있다.

1) 워홀의 실크스크린과 '팩토리' 제작 방식
워홀을 시대를 앞서 간 위대한 미술가로 볼 것인가? 아니면 대중의 기호에 재빠르게 영합한 상업미술가로 볼 것인가? 그의 작품 세계를 제대로 이해하는데 이것만큼 적절한 질문은 없다. 워홀이 광고계가 아닌 미술계에서 두각을 나타내기 시작한 것은 60년대 초이다. 그는 <1달러 지폐>와 <2달러 지폐>를 실크스크린 기법으로 제작한 것을 시작으로 <캠벨 수프 깡통>과 같은 익숙한 상품 이미지, <마릴린 먼로> 등과 같은 스타 이미지를 닥치는 대로 실크스크린 기법으로 제작했다. 워홀의 이러한 작업 전에는 그 당시 지배적인 사조였던 추상표현주의에 반기를 든 로버트 라우센버그와 재스퍼 존스가 각각 실크스크린 작업과 일상 오브제를 사용하면서 예술과 일상을 화해시키려는 시도가 있었다. 이들 작품 덕분에 일상 이미지를 실크스크린으로 작업한 워홀의 작품도 미술계에 순조롭게진입할 수 있었고, 대중의 인기를 얻을 수 있는 토대가 마련되었다.

하지만 문제는 제작방식에 있었다. 그는 '공장'(factory)이라고 이름 붙인 작업실에서 타인의 작품이든 상관없이 차용하였고, 조수를 고용하여 작품 제작의 전 과정을 맡겼으며, 동일한 작품을 상품처럼 무수히 반복하여 생산하였다. 마치 시장조사를 통해 이미지의 형태를 결정하는 광고처럼 작품 이미지의 색과 형태를 결정하고, 작품의 수량도 수요와 공급의 법칙에 따라 결정하곤 했다. 이러한 생산 방식은 지금까지 예술의 본질이라고 여겨왔던 작품의 독창성과 유일성의 가치를 근본적으로 훼손하고 있는 것이다. 이러한 점 때문에 일군의 비평가들은 그의 작품을 부정적으로 평가하고 있다. 그들에게는 워홀 작품은 광고 이미지처럼 쉽게 이해되고 친근하게 다가오지만 위대한 예술이라고 하기에는 2%로 부족한 작품으로 여겨지고 있는 것이다.

2) 미국 일상의 찬양과 실크스크린
워홀의 작품을 이렇게만 볼 것인가? 긍정적으로 접근할 수 있다. 널리 알려졌듯이 워홀은 실제로 50년대 뉴욕을 대표하는 <보그>, <하퍼스 바자> 등의 패션잡지, <콜럼비아 레코드> 등의 표지 디자인으로 큰 성공을 거둔 상업 디자이너였다. 그는 뉴욕의 화려한 광고계에서 성공을 거두었지만 누구보다도 ‘순수’ 예술가로 인정받길 바랐다. 그는 추상표현주의가 지나간 60년대 미술계에서 두각을 나타낼 수 있는 작품의 주제와 스타일을 찾는데 골몰했다. 워홀이 택한 것은 미국적인 것, 다시 말하면 미국 일상의 풍요로움이었다. 체코슬로바키아에서 미국 피치버그로 이민 온 광부의 아들로 태어난 워홀은 여름방학 동안 아르바이트 했던 백화점의 화려함과 풍요로움에 감동 받고 미국 소비사회의 본성을 이해했다고 언급한 적이 있다. 그는 광고 디자이너 시기에는 사치스러운 상품들을 어떻게 아름답게 장식할 것인지 고민 했던 것처럼 어떤 방식으로 미국적인 것, 즉 일상의 풍요로움을 나타낼 것인지 몰두하게 된다. 결국 찾아낸 것이 실크스크린이다. \"내가 이렇게 그리는 까닭은 기계가 되고 싶기 때문이다. 무엇을 하든 기계처럼 하는 것이 바로 내가 하고 싶어 하는 것이다\" 라고 워홀은 말했다.

그는 사진을 이용한 실크스크린 작업을 통해 작품에서 개인적인 요소를 완전히 제거함으로써 변하지 않는 영구적인 이미지를 얻으려고 한 것이다. 또한 그 이미지를 실크스크린 기법을 이용하여 나란히 병렬적으로 배치하거나 혹은 색의 변화를 줌으로써 워홀이 나타내고자 하는 다양한 효과를 창출하고 있는 것이다. “난 수프를 좋아하는데 다른 사람들도 수프를 좋아하면 난 기분이 좋아요” 워홀은 캠벨 수프에서 느끼는 친밀감을 확고하게 보여주기 위해 수프 깡통의 사진을 실크스크린 방식으로 제작한 것이다. 다시 말하면 워홀의 실크스크린 작업은 미국의 일상을 찬양하기 위해 세심하게 선택된 표현 방식이지 손쉬운 제작 방식이라는 이유로 채택된 것은 아니다. 물론 실크스크린이 익명성을 보장해주고 손쉽게 대량 제작을 할 수 있는 점에서 워홀의 구미에 맞다. 그러나 그가 이 방식을 선택한 가장 큰 이유는 실크스크린이 자신이 원하는 효과를 연출하는데 최적의 방식이라고 판단했기 때문이다. 광고 디자이너로서 일할 때처럼 자신이 원하는 효과를 연출하기 위해 표현 방식을 고심했을 것이고, 그 선택의 결과가 실크스크린이라고 할 수 있다. 그가 익숙하게 접했던 <캠벨 수프 깡통>, <코카 콜라병>, <브릴로 상자>, <하인즈 케첩 상자> 등을 실크스크린으로 전시함으로써 미국의 표준적인 삶을 찬양하고 있는 것이다. <마릴린 먼로>, <엘리자베스 테일러>를 작품의 주제로 선택한 것도 여배우의 성적 매력 때문만은 아니었다. 그들은 미국인의 성공 신화의 화신이라는 점에서 캠벨 수프처럼 미국의 표준적인 삶과 연관되어 있다. 워홀은 그것을 실크스크린의 방식으로 확고하게 잡아두고 싶었던 것이다. 워홀의 실크스크린이 대중의 기호에 따른 것이 아니라 매체와 기법의 세심한 선택이었다는 것을 명백히 보여주는 작품들이 있다. <앰뷸런스 사고>, <전기의자> 등 재난 시리즈의 작품은 위의 작품들과는 성격이 다르다고 할 수 있다. 이 작품들은 실크스크린 제작 방식을 통해 실제와 대중 매체의 간극을 보여주려고 시도했다. 그는 대중 매체가 재난을 보여주는 방식에 주목하고 이것을 실크스크린으로 제작함으로써 그 대중매체가 실제를 어떻게 구성하는지 관람객에게 보여주려고 시도하고 있는 것이다.

이미 알려졌듯이 워홀은 명성과 돈에 대한 관심을 숨기지 않았다. “나는 상업미술가로 출발했으며 사업예술가로 마치기를 기대한다. 돈을 버는 것도 예술이고, 일하는 것도 예술이며, 사업을 잘 하는 것은 최고의 예술이다.” 70년대 이후 그는 인물화나 꽃 시리즈를 제작하였다. 여전히 실크스크린의 방식을 고수했고, 그 주제에 따라 적절한 표현 기법을 첨가했다. 인물화나 꽃 시리즈 작품들도 일상적인 것들이 지닌 가치와 삶 속에서의 의미를 보여주려고 했다는 점에서는 미술사적 의미는 퇴색했지만 그 이전의 작품들과 맥을 같이 한다고 볼 수 있다.

3) '예술의 종말' 이후의 미술
워홀은 미국인들이 좋아하는 대중 스타와 상품의 이미지를 작품에 끌어들여 순수예술과 대중문화의 경계를 무너뜨렸다. 또한 순수 예술이 추구해야 할 고유한 가치가 없다는 점을 누구보다도 먼저 간파하고, 상업미술의 기법을 과감히 차용하여 예술작업을 수행했다는 점에서 아서 단토가 말하는 '예술의 종말' 이후의 미술의 선구자로 워홀을 위치시킬 수 있다.우리는 워홀 덕분에 순수 미술과 응용 미술, 고급과 저급 미술의 구분이 무의미하게 되었다는 것을 인식하게 되었다. 외관상 하찮게 보이는 작업도 그 표현 목적에 부합하면 가치가 있는 미술이 될 수 있다는 것을 인식하게 되었다. 이러한 의미에서 오늘날의 작가들은 어떤 식으로든 워홀의 후예라고 말할 수 있을 것이다. 이제 미술은 무엇을 나타낼 것이냐의 문제와 그것을 어떤 방식으로 나타낼 것인가의 문제로 귀결된다. 이러한 문제의식 속에는 고급과 저급의 구분의 논리가 들어설 자리가 없다. 이제는 표현주의이든 사실주의이든 벽화스타일이든 상관없다. 왜 그러한 방식으로 제작했는가가 문제가 된다. 이러한 것을 명확하게 인식하게 해준 작가가 바로 앤디 워홀이다.

인사말 Foreword
유희영 서울시립미술관장
김학준 동아일보사 회장
엄기영 (주)문화방송 대표이사 사장

축하의 말 Congratulation
캐슬린 스티븐스 주한미국대사

기획의 글 Curatorial Essay
앤디 워홀의 실크스크린과 현대미술의 패러다임의 변화 - 장민한 서울 시립미술관 전시과장
Silk sereen of Andy Warhol and Paradigm shift in contemporary art - Minhan JANG Senior Curator, Seoul Museum of Art

논고 Article
앤디 워홀 : 영원히 기억될 작가 - 토마스 소콜로프스키 앤디 워홀 뮤지엄 광장
Andy Warhol : A Man for All Seasons - Thomas Sokolowski Director of the Andy Warhol Museum
앤디 워홀 자세히 보기 :
<앤디 워홀의 위대한 세계>
전을 맞으며 - 강태희 한국예술종합 학교 교수

A preliminary review on Andy before the exhibition - Taehui KANG Professor of Korea National University of Arts




작품 설명 Plates

1. 앤디 워홀, 현대미술의 패러다임을 바꾸다

2. 나의 자화상, 영원한 아름다움과 일시적 아름다움

3. 성공한 디자이너에서 팝아트의 제왕으로

4. 타임 캡슐, 워홀의 시대를 비추는 거울

5. 슈퍼스타 아이콘, 나는 할리우드를 사랑한다

6. 죽음과 재난, 냉정한 관찰자의 눈

7. 빛과 그림자, 또 다른 실험

8. 워홀의 최후의 만찬

9. 워홀의 친구들, 팝아트는 모든 사람들을 좋아한다

10. 워홀 라이브, 삶이 곧 예술이다